Je tue le temps chez Krónan à Hamraborg, en attendant un ami, 15 minutes avant le vernissage d’une exposition, quand j’entends au loin une fanfare démarrer. Bien sûr, il y a une fanfare, me dis-je. Il y a deux raisons à cela : nous sommes en Islande. Euh. S’il y a une occasion un tant soit peu appropriée pour une fanfare, elle sera utilisée. Et deuxièmement, c’est le travail avec une fanfare qui a changé la vie de cet artiste. Après environ 20 minutes d’interprétation de chansons pop, dont « Starman » de David Bowie par le charmant Kópavogur Youth Band, les portes du musée s’ouvrent et nous sommes invités à l’intérieur. « Bienvenue au shitshow! » dit Jérémy Deller.
Faire bouger les choses
Lauréat du Turner Prize 2004 et représentant britannique à la Biennale de Venise 2013, Jeremy Deller a dit un jour : « Je ne fais pas les choses, je fais bouger les choses. » Aujourd’hui l’un des artistes contemporains britanniques les plus renommés, il ne peut en fait ni dessiner, ni peindre, ni sculpter – à tel point qu’il a apparemment été expulsé d’un cours d’art à l’école. Au lieu de cela, il excelle à trouver des personnes possédant les compétences dont il a besoin, à créer des spectacles à grande échelle, des reconstitutions et ce qu’il les appelle souvent lui-même, des « interventions culturelles » – de Laiton acidel’œuvre révolutionnaire de 1996 dans laquelle une fanfare traditionnelle interprète des arrangements acid house, pour Nous sommes là parce que nous sommes làun événement commémorant le 100e anniversaire de la bataille de la Somme, au cours duquel 1 600 volontaires habillés en soldats britanniques sont apparus dans les espaces publics, les gares et les centres commerciaux, pour Sacrilègeun gigantesque château gonflable de Stonehenge, sa façon à lui de jouer avec l’histoire et la culture. Comme Jeremy l’a dit sur l’emblématique BBC Disques des îles désertes«J’aime que l’art quitte les musées et les galeries», ce qui rend légèrement surprenant la vue de son exposition intitulée Bonheur nationalnon seulement dans un musée, mais à Kópavogur, entre autres.
Je ne fais pas les choses, je fais bouger les choses.
La connexion qui a rendu cela possible est venue des commissaires de l’exposition, Arnar Freyr Guðmundsson et Birna Geirfinnsdóttir, du studio de design Studio Studio. Le duo se concentre sur des projets de grande envergure dans le secteur culturel et, selon les mots de Birna, « il s’agit généralement de quelque chose qui tourne autour d’un intérêt commun ». Arnar hoche la tête et ajoute : « Notre objectif principal est d’avoir une sorte de conversation sur le matériel avec lequel nous travaillons, plutôt que de simplement obtenir un document Word : « Voici le livre, pouvez-vous le présenter ? »
Arnar et Birna ont entretenu une relation durable avec Gerðarsafn au cours de la dernière décennie, travaillant sur toutes sortes de projets, allant des imprimés à la conception d’expositions (une mention notable récente serait l’exposition qu’ils ont réalisée sur Hörður Ágústsson, « un homme de la renaissance de l’art visuel islandais »). Ainsi, lorsqu’ils ont proposé d’amener l’exposition de Jeremy Deller à Gerðarsafn, le musée a immédiatement dit oui.
« Parfois, c’est tout simplement très aléatoire », explique Birna. « Cela pourrait être une exposition amusante, vous le dites à voix haute, et quelqu’un dit: ‘D’accord’, et cela se produit en quelque sorte. »
Vidéos au format mural et affiches audacieuses
Les premières de l’exposition Le triomphe de l’artune salle entière d’œuvres vidéo projetées sur chaque mur du projet éponyme, et peut-être le plus grand projet que Jeremy ait jamais créé. Pour le bicentenaire de la National Gallery, il a développé un festival national, avec des processions et des représentations à Plymouth en Angleterre, Dundee en Écosse, Llandudno au Pays de Galles et Derry en Irlande, culminant avec une dernière journée de célébrations à Trafalgar Square à Londres. Le festival rendait hommage aux collections de la galerie, reflétait le caractère unique de chaque ville participante et accueillait tout le monde pour un événement qui, comme il l’écrit dans le livret de l’exposition, « concernait l’art et la culture au sens le plus large ».
Les vidéos sont affichées en boucle continue, mais dans un ordre plutôt chaotique, attirant votre attention de tous les coins de la pièce. Il s’agit plutôt d’un travail en cours et pourrait évoluer vers quelque chose de plus grand, suggèrent les conservateurs, comme un documentaire, bien que Jeremy n’ait pas encore décidé. «Il voulait faire quelque chose de nouveau pour cette exposition», explique Arnar. « Il s’agit plutôt d’une documentation de cet événement, d’un résultat expérimental de ce matériel. »
La salle ouest de Gerðarsafn est dédiée à Contenu graphique d’avertissementune collection de tirages s’étalant sur 30 ans, de 1996 à 2026. Une grande partie de cette œuvre a été créée en collaboration avec le graphiste Fraser Muggeridge, qui travaille avec Jeremy depuis la Biennale de Venise 2013 et constitue le lien mutuel qui l’a réuni avec Studio Studio.
De nombreuses œuvres font référence à des événements historiques et à des personnages connus, avec des déclarations reflétant l’intérêt de Jeremy pour la musique (« God Bless David Bowie ») et son mécontentement actif à l’égard de la situation en Grande-Bretagne (« Farage in Prison » et « Prince Harry Kills Me »). D’autres sont plus généraux et humoristiques, portant des slogans tels que « Marmite sur du pain grillé », « Il faut plus de poésie » et « Je préfère lire ». Bruts et politiques, les imprimés se démarquent par leur graphisme audacieux. Ils donnent l’impression à la fois d’un aperçu des idées et des problèmes qui ont occupé Jeremy au cours des trois dernières décennies et d’un défilement des mises à jour de statut de l’ère Tumblr du début des années 2000.
Bruts et politiques, les imprimés se démarquent par leur graphisme audacieux.
Certaines œuvres de l’exposition étaient initialement destinées à être présentées dans un format extrêmement grand. Prenez, par exemple, une affiche mettant en vedette George Michael et Andrew Ridgeley de Wham!, tous deux issus de pères immigrés, avec le texte en dessous disant « Dieu merci pour les immigrants ». L’œuvre semble avoir eu un écho particulièrement fort lors de la soirée d’ouverture de l’exposition, qui coïncidait avec la soirée des élections municipales, de nombreux habitants partageant une photo de l’œuvre en réponse aux projections d’un résultat fort pour un parti ouvertement hostile aux immigrés, aux personnes queer et aux femmes, entre autres. Conçu à l’origine comme un panneau publicitaire, il a été réduit pour l’exposition.
William Morris était là
Parlant de la façon dont l’exposition a été façonnée, Birna dit : « L’objectif principal était simplement qu’elle ne paraisse pas trop formelle. Qu’elle soit relativement légère et, oui, informelle, je suppose, serait le mot clé. »
Cette même informalité, souligne-t-elle, se retrouve dans le travail de Jeremy – dans la manière dont les œuvres sont conçues comme des messages rapides destinés à un panneau d’affichage ou à un espace public plutôt que comme des œuvres d’art, et dans les notes manuscrites nonchalantes qui les accompagnent. Ce dernier offre un élément plus personnel et humain, réduisant la distance entre l’artiste et le spectateur, tout en vous indiquant exactement ce que vous devez savoir sur chaque œuvre. Un exemple frappant est par exemple une photographie représentant des fleurs sur une tombe inconnue, à côté de laquelle il écrit : « Tombeau du réfugié inconnu, Belgique. Une nouvelle vision de l’idée du soldat inconnu ».
Arnar dit que, dans les deux parties de l’exposition, les visiteurs sont encouragés à prendre du recul et à se donner le temps de s’en imprégner. « Quand vous voyez à la fois ces projections et les œuvres imprimées, c’est assez bouleversant lorsque vous entrez dans les salles, donc il y a une raison pour laquelle il n’y a presque rien sur le sol », dit-il. « Vous pouvez simplement y passer du temps et explorer. »
Il y a cependant une chose par terre. Au milieu de le contenu graphique d’avertissement Dans la pièce se trouve une pile de gravures que les visiteurs sont invités à emporter avec eux et qui disent : « William Morris var hér ».
Ce que l’exposition à Gerðarsafn parvient à faire, c’est de nous aider à donner un sens à l’un des artistes les plus passionnants d’aujourd’hui.
« Nous avons pensé que c’était un point de contact intéressant, puisque William Morris était ici (en Islande) environ deux fois », explique Birna. « Cela a en quelque sorte dégénéré en ce genre de chose familière, vous savez, écrire sur les toilettes ou dans les toilettes publiques que vous étiez là. »
Ce n’est pas la première fois que Jeremy fait référence à l’artiste, designer et poète britannique dans son travail. Il a cité William Morris, dont les créations se sont infiltrées dans la vie domestique britannique sous forme de papiers peints et de textiles, comme l’une de ses plus grandes influences, ainsi que Andy Warhol, que Jeremy a rencontré et avec qui il a ensuite passé deux semaines à The Factory à New York (une histoire aussi fascinante pour un étranger qu’il semble ennuyeux pour Jeremy d’en parler).
Tout comme l’héritage de William Morris, les œuvres de Jeremy sont également devenues quelque chose que nous pouvons rencontrer en passant, sans les relier à l’artiste. Ce que l’exposition à Gerðarsafn parvient à faire, c’est de nous aider à donner un sens à l’un des artistes les plus passionnants d’aujourd’hui.
« C’est une exposition qui prend du temps à parcourir », résume Arnar. « C’est dommage si on le parcourt trop vite, car il y a beaucoup de petites choses qu’il faut du temps pour comprendre. » J’y suis déjà allé deux fois et j’y retournerai sûrement tout au long de l’été.
Jeremy Deller : le bonheur national est visible au musée d’art Gerðarsafn de Kópavogur jusqu’au 6 septembre.