Le public en tant qu’œuvre d’art, la météo en tant qu’artiste – The Reykjavík Grapevine

Le minimalisme puissant et ludique de Karin Sander réalise des œuvres qui se dépassent, transformant le musée en terrain de jeu.

Avec l’exposition Karin Sander au Musée d’art de Reykjavík, Hafnarhús, on ne se contente pas d’entrer dans une exposition d’art, on devient partie intégrante de l’œuvre d’art dès le début. À leur arrivée au musée, le public est invité à placer ses effets personnels dans les vitrines transparentes qui se dressent de manière sculpturale dans le hall. Intitulée «Identités exposées», ce que devient l’œuvre dépend de ce que le public laisse dans les vitrines. Certains jours, j’ai vu toutes les armoires vides, et d’autres, pleines de manteaux et d’accessoires. Il s’agit d’une œuvre d’art entièrement dépendante de la participation du public.

Laissez votre corps derrière vous

Karin a construit une exposition et toute une vie d’œuvre (cette exposition est intitulée Karin Sander 1957-2057) qui dépasse toujours son cadre. Cela déborde pour inclure le public, l’architecture et même la météo. Sur un mur à côté des armoires transparentes, il y a un énorme bloc de texte entièrement composé d’adjectifs utilisés pour décrire Karin sur Wikipédia ; c’est un espace généralement réservé à la description des expositions organisées au musée. Si ce que les autres pensent de vous est votre plus grande peur, alors Karin y fait face de front, en utilisant le langage d’une plateforme à laquelle presque tout le monde peut avoir accès et modifier pour se contextualiser elle-même et son travail. Cela vous rappelle que toutes les expériences artistiques impliquent également d’être vulnérable. Karin exige cette vulnérabilité, cette intrépidité de la part de son public dans une autre pièce qui était présente dans la cour de Hafnarhús la première fois que j’y suis allée, mais pas après. Il s’agit d’une constellation de parpaings placés au hasard sur lesquels les spectateurs étaient invités à se tenir debout, les transformant en socles et leur propre corps en sculptures temporaires.

Derrière le mur de texte se trouvent deux œuvres d’art qui fonctionnent en tandem : un support d’observation en aluminium qui surplombe un scanner 3D (franchement, ça a l’air plus effrayant qu’il ne l’est) fixé à une imprimante 3D. Les visiteurs peuvent décider de se faire scanner pendant que leurs amis regardent. Une fois l’invité intrépide numérisé, l’imprimante 3D crée une réplique en plastique à l’échelle 1:7 de la personne, qui devient ensuite une partie de l’installation. Encore une fois, les œuvres dépendent du public et de sa volonté de participer. Le musée devient un terrain de jeu où le spectateur qui regarde devient également partie intégrante de l’œuvre d’art. L’œuvre de numérisation 3D, intitulée « Visiteurs du musée 1:7 », traite autant du rôle du public dans la création d’une œuvre d’art que de l’évolution de la technologie qui crée les conditions d’une reproduction rapide de nos identités. En me faisant scanner, j’avais l’impression que tout, d’Instagram à l’IA, menait à ce point dans le temps. Mais j’avais tort. Karin a utilisé le processus de numérisation et d’impression 3D pour créer des images d’elle-même bien avant qu’Instagram n’existe – la première œuvre de ce type remontant à près de 30 ans, en 1997. Non seulement Karin est une artiste toujours tournée vers le futur, mais ses œuvres s’étendent et contractent le temps, demandant au public de contempler son passage en nous demandant de rester immobiles.

Laisser la météo travailler

Après m’être fait scanner, j’avais hâte de poster une photo de ma reproduction 1:7 sur mes stories Insta. Mais à ce moment-là, la pièce m’a fait défaut. On m’a dit que les machines ne fonctionnaient pas correctement, à cause de la proximité du musée avec une grande étendue d’eau, à propos de l’humidité de l’air, ce qui est différent à Reykjavík et à Berlin. Mais j’étais soulagé, non pas parce que je ne voulais pas que je sois reproduit ; J’ai adoré que quelque chose d’aussi minuscule et imperceptible que l’humidité de l’air puisse encombrer la machine de production (artistique).

Disposées discrètement autour du musée et faciles à manquer, certaines des plus belles sculptures de l’exposition. L’un d’eux, appelé « Glass Piece 93 », est du verre fondu qui peut s’égoutter et se solidifier sous une forme difficile à décrire, mais il est frappant dans la mesure où il est le résultat d’éléments très invisibles qui ont rendu le scanner 3D dysfonctionnel. La température, la gravité et d’autres détails contribuent à faire de cette pièce ce qu’elle est. Une autre sculpture de ce type, « Glass Drop 20B », est suspendue au-dessus du balcon de verre reliant deux salles d’exposition, intégrant l’architecture du musée en elle-même tout en nous faisant nous demander ce qu’est une œuvre d’art et à quoi elle appartient.

Que met-on sur un piédestal et pourquoi ? C’est un thème important de l’exposition, illustré par les « Kitchen Pieces », où les légumes et les fruits sont épinglés précisément au mur. Ils se décomposent lentement, émettant des parfums et sécrétant des fluides sur leur fond blanc parfaitement peint. En face des « Kitchen Pieces » sont accrochées les « Patina Paintings », des toiles qui ont été laissées stratégiquement dans plusieurs endroits d’Islande au cours de l’année dernière et qui ont été travaillées par les intempéries. Pour beaucoup d’entre eux, aucune compétence artistique ou la participation du public n’est nécessaire. C’est le lieu, le climat, le hasard et l’accident qui font le travail.

L’importance du jeu

Tout au long de sa carrière, Karin a utilisé de petits gestes ludiques qui posent d’importantes questions sur le temps, son passage, sa réalité et sa signification. Lors de ma troisième visite au salon, j’ai constaté que les légumes de « Kitchen Pieces » étaient complètement transformés. Et pas seulement cela, ils avaient attiré un ou deux moucherons, hypervisibles sur les murs d’un blanc éclatant du musée. Ces murs se reflétaient également sur un autre objet étrange posé sur un piédestal, un œuf, poli pour devenir si réfléchissant qu’on pouvait se voir soi-même et toute l’architecture de la pièce à sa surface. Si l’art a pour but de transformer des objets du quotidien en quelque chose de merveilleux, alors Karin a merveilleusement réussi. Dans un monde plein de récits traumatisants et de grands gestes, ses minimalismes cohérents ont contribué à créer une carrière qui, en revisitant les idées et en jouant avec elles à plusieurs reprises, insiste sur l’infini dans la minute.

Lors de ma dernière visite au musée, j’ai vu un enfant courir sans ses chaussures d’une pièce à l’autre. Comme c’est intrépide, comme c’est libérateur, pensais-je. Partout ailleurs, les gardes vous feraient expulser. Mais pas à Reykjavik. Pas lors d’un spectacle de Karin Sander. En sortant, j’ai vu les baskets de l’enfant placées dans l’une des vitrines en verre. Je n’ai pas pu m’empêcher de prendre une photo.